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Channel: Tutt'Art@ | Pittura * Scultura * Poesia * Musica
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Lita Cabellut, 1961 | Mixed media Fresco style painter

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Lita Cabellut was born in Barcelona, into a Sinti family and lived on the streets until the age of 12 when she was adopted by a prominent family.
She was introduced to her masters in the Prado: Velazquez, Goya and Frans Hals and became deeply affected by art. She attended drawing and painting lessons and had her first exhibition at the age of 17 in Madrid.












She then came to the Netherlands to further develop her skills at the Gerrit Rietveld Academie and to work with the special light in the Netherlands. Cabellut still lives and works in the Netherlands and continues to develop her very own typical style that is characterised by larger than life-size portraits in a special fresco technique. Through her distinctive work, Lita is among the contemporary masters of portrait art.
  • Statement
If my brushes
Were not able to speak
If my feet
Were not able to take a step forward or back
To gain perspective on what I see
If in my head
Confusion and doubt were not reigning
If I don’t cry
I laugh
If I was not dazzled by white
And moved by indigo
What loneliness
What loneliness
I would have with myself
I work in series, so the process of paintings starts with finding the concept.
To sit in a chair and not move until I have the project in mind
I am more than a painter, I am a storyteller.











  • Art Techniques
Working on large-scale canvases, Spanish artist Lita Cabellut has developed a contemporary variation of the classic fresco technique and a recognizable personal palette style that comes from her obsession to provide her characters with a skin. However, beyond her most recognized works and techniques Cabellut is a multi-disciplinary artist whose works also include pieces in media such as: oil on canvas, drawings on paper sculptures, photography, poetry, visual poems and videos.
  • Recognition
On 8 April 2011 Lita was awarded with the "Premio de Cultura Gitana de Pintura y Artes Plásticas" (Gypsy Culture Award for Paint and Plastic Arts) by "Instituto de Cultura Gitana" (Institute of Gypsy Culture) in recognition to the work done in benefit of this group’s culture anywhere in the world.
In March 2015 Lita was invited by the Barcelona-based Fundació Privada de les Arts i els Artistes to be a jury member for the 2015 "Figurativas" competition. "Figurativas" is a yearly art competition seeking to promote and diffuse Figurative Art.
















































Lita Cabellut, è un pittrice Spagnola che vive e lavora all'Aia, nei Paesi Bassi. Cabellut lavora su tele di grandi dimensioni utilizzando una variante contemporanea della tecnica dell'affresco.
È nata in un villaggio in Aragona, Spagna nel 1961 in una famiglia Sinti, condizione per la quale ha vissuto per le strade fino all'età di 13 anni quando è stata adottata da una famiglia benestante, cambiando così stile di vita. 
È stata introdotta dai suoi maestri al Prado dove conobbe le opere di Velazquez, Goya e Frans Hals divenendo profondamente influenzata dall’arte. 
Ha così iniziato a frequentare corsi di disegno e di pittura, tenendo la sua prima mostra all'età di diciassette anni a Madrid. Successivamente si è trasferita in Olanda per sviluppare ulteriormente le sue capacità alla "Gerrit Rietveld Academie" e dove potè esercitarsi a lavorare con la luce speciale nei Paesi Bassi. Lita Cabellut continua a sviluppare il suo stile personale che si caratterizza per ritratti a grandezza naturale realizzati per mezzo di una speciale tecnica dell'affresco. Attraverso il suo lavoro distintivo, Lita è tra i maestri contemporanei dell’arte del ritratto.






Pasquale Celommi | Outdoor scenes of Italian life

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Pasquale Celommi (1851-1928) was born in Montepagano, Italy in 1851. Celommi showed an early interest in art and often drew in his home as a child. Celommi decided to receive academic training and moved Florence to study under Antonio Ciseri at the Academy of Florence.
Celommi was a strong student and often praised by his teacher Ciseri. Celommi started exhibiting his work in various regions of Italy. Celommi had a large exhibition in Turin and eventually in Rome.

Pasquale Celommi nel suo studio con la moglie, Giuseppina Giusti












Celommi is most remembered for his outdoor scenes of Italian life. Celommi was tremendously skilled at depicting the bright sun of Italy and has been referred to as "The Painter of Light".
Celommi often painted women and children playing on beaches or in the sea.
Celommi's paintings continue to rise in value and are in collections and museums throughout Europe and the United States.

























Pasquale Celommi (Montepagano, 6 gennaio 1851 – Roseto degli Abruzzi, 9 agosto 1928) non fu soltanto un maestro del pennello, fu anche maestro di vita per la disciplina del lavoro e per l’austerità dei costumi e sentimenti.
Nato il 6 gennaio 1851 a Montepagano, una frazione di Roseto degli Abruzzi, fu notato quand'era solo tredicenne da Camillo Mezzopreti, un facoltoso collezionista locale e pittore dilettante che fu il suo primo maestro e, soprattutto, il finanziatore dei suoi primi studi.
Nel 1873 vinse il concorso del pensionato artistico indetto dall'amministrazione provinciale di Teramo che gli permise di frequentare la Scuola libera del nudo istituita presso l'Accademia di Belle Arti di Firenze, dove ebbe come maestro Antonio Ciseri. 
A Firenze, si sposò, il 18 agosto 1880, con la diciassettenne Giuseppina Giusti (nipote del poeta Giuseppe Giusti) dalla quale ebbe 11 figli. Poco dopo la nascita del suo primogenito Raffaello, nel 1881, tornò, a causa della salute precaria del piccolo, a Roseto. Il cambio di residenza fu felice “per lui che lasciata Firenze e tornatosene nella sua ridente Rosburgo, poté sciogliersi dalle pastoie onde lo aveva avvinto quell'accademia e studiare da vicino quella natura rustica, che egli aveva tanto amato. 
Il Celommi cambiò stile tanto tosto ne risentì anche un benefico effetto, perocché i suoi quadri divennero ricercatissimi, le sue figure non più modelli travestiti ma quali si vedono nella vita, e però i suoi quadri ebbero impronta singolare di vitalità e di sentimento vero”. Divenne ben presto ospite gradito delle maggiori famiglie del teramano, come scrisse Raffaele D'Ilario : “il successo delle opere fruttò al giovine artista abruzzese le simpatie delle famiglie aristocratiche che facevano a gara per averlo nei loro principeschi ricevimenti”.
Nell'ultimo ventennio dell'Ottocento Celommi si dimostrò un pittore molto prolifico e, diversamente da quanto fece in seguito, partecipò di frequente alle mostre, locali e non, come ad esempio la II Esposizione Operaia di Teramo del 1888, la mostra "Italo Americana" di Genova (Colombiana) del 1892 e la LXVI Esposizione di Belle Arti di Roma del 1895.
La numerosa committenza, italiana e straniera non impedisce a Celommi di interessarsi alle questioni amministrative della giovane cittadina; lui ed altri consiglieri proposero la creazione di un viale a mare di circa un chilometro.
Dal 1900 l'artista, oltre ad avvalersi dell'aiuto del figlio Raffaello Celommi, lavorò in maniera continuativa per la galleria dei fratelli D'Atri di Roma e per alcune gallerie estere: la Winterstein di Vienna e le gallerie Bekerans di Monaco di Baviera e di Berlino, che gli assicurarono una buona commercializzazione delle sue tele nei paesi mitteleuropei.
Negli ultimi anni, pur non partecipando alle mostre o ad altre occasioni ufficiali, il pittore poté godere dell'attenzione costante della stampa italiana che ormai era solita definirlo "il pittore della luce".
Pasquale Celommi morì a Roseto il 9 agosto 1928, in seguito ad una nefrite.
Per rendere onore al celebre concittadino il comune di Roseto degli Abruzzi gli ha intestato una scuola elementare e il tratto centrale del lungomare.
  • Lo stile
All'inizio della sua carriera, dedicò principalmente alla realizzazione di tele o dal gusto prettamente accademico-classicista o d'atmosfera esotica di stile morelliano. Tornato da Firenze ed a contatto con la propria gente, il suo stile di pittura, con la maturità, si evolvé diventando fortemente verista
Al contrario di quanto si può dire di opere posteriori, i quadri di fine '800 mostrano una pennellata particolarmente pastosa e, nella maggior parte dei casi, un uso di colori scuri e "pieni", comunque mai squillanti.
La produzione degli ultimi anni di Celommi è formata principalmente da pitture marine. 
Queste sono tele in cui, rispetto ai suoi precedenti quadri, il pittore schiarisce i colori, alleggerisce la pennellata e, soprattutto, si dedica alla resa della luce naturale, dimostrando un'innata abilità nel riprodurre l'atmosfera delle albe e dei tramonti sul mare, tanto che, iniziò a sentirsi nel settore l'espressione: "Questo è un quadro alla Celommi". Le marine di Celommi sono uno splendido spaccato di vita quotidiana; lungi da essere quadri paesaggistici, hanno sempre come protagonisti i pescatori. | © Wikipedia




Pasquale Celommi | A good catch

Renaissance Artists | Sitemap

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Michelangelo Buonarroti - Cappelle Medicee, Firenze


List of Renaissance Artists, with images, bios and information about notable works



Ambrosius Benson (1495-1500-1550) - The Magdalen Reading

Anton Raphael Mengs (1728-1779)

Antoon van Dyck (1599-1641)

Bartolomé Esteban Murillo (16178-1682)

Bartolomé Esteban Murillo (16178-1682)

Bernardino Luini (1480/1485-1532)

Bernardo Germán de Llórente (1685-1757)

Camillo Procaccini (1551-1629)

Claudio Coello (1642-1693)



































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Pablo Picasso - Embrace, 1900
Vicente Romero

List of Spanish Artists and artistic movements definition




Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Jaume Plensa
Jaume Plensa

Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
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Francisco Ribera Gomez (1907-1990)
Jaume Plensa
Jaume Plensa
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Jaume Plensa
Jaume Plensa
Jaume Plensa
Alfredo Roldan

Alfredo Roldan
Dino Valls

Emilia Castagneda

Emilia Castagneda
Emilia Castagneda
Emilia Castagneda
Emilia Castagneda
Emilia Castagneda
Joaquin Sorolla (1863-1923)

Joaquin Sorolla (1863-1923)
Joaquin Sorolla (1863-1923)
Joaquin Sorolla (1863-1923)
Joaquin Sorolla (1863-1923)
Joaquin Sorolla (1863-1923)
Joaquin Sorolla (1863-1923)
Jorge Monreal



Salvador Dali

Salvador Dali
Salvador Dali
Salvador Dali
Salvador Dali
Nicoletta Tomas

Nicoletta Tomas

Nydia Lozano

Pablo Picasso

Picasso et Brigitte Bardot -Paris, 1956

Salvador Dali
Salvador Dali
Salvador Dali
Salvador Dali
Vicente Romero

Vicente Romero

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Bruno Di Maio, 1944 | Surrealist Figurative painter | VideoArt

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Bruno Di Maio 1944 | Italian Surrealist Figurative painter | Video

Bruno Di Maio is an Italian painter, known for working in the new Figurative style. Di Maio, born in North Africa to Italian parents, lives and works in Tuscany, Italy.


For biographical notes -in english and italian- and other works by Di Maio see:
Bruno Di Maio, 1944 | Surrealist Figurative painter ➦
Bruno Di Maio, 1944 | Ballet dancer ➦
Bruno Di Maio / Pablo Neruda ➦
Oscar Wilde / Bruno Di Maio ➦


Bruno Di Maio 1944 | Italian Surrealist Figurative painter | Video

The originality of his vision is seen in the sumptuous subject matter, the quality of his chiaroscuro and the dramatic light effect on the figures and objects in his paintings. His work is happy, carnal, rich in colour and vibrant with light. In addition to paintings, his artistic training extends to sculpture, engraving, excellent watercolours as well as astounding trompe l’oeil mural paintings. His works can be found in private and public collections in Europe, Japan, Australia and in the United States.

Bruno Di Maio 1944 | Italian Surrealist Figurative painter | Video

Bruno Di Maio 1944 | Italian Surrealist Figurative painter | Video




Bruno Di Maio 1944 | Italian Surrealist Figurative painter | Video

Bruno Di Maio 1944 | Italian Surrealist Figurative painter | Video

VideoArt and Music | Sitemap

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List of Classical, Modern and contemporary Musicians, Composers, Instrumentalist, Songwriters, Singers, Dancers, ‎History, Videos, artistic movements definition, influences, artist statement and Awards.




Bertalan Karlovszky (1858-1938)
Berthe Morisot, Le Mandoline, 1889

Andre Bouys - La Barre and Other Musicians, 1710






Claude Debussy





Top row: Antonio Vivaldi, Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven;
second row: Gioachino Rossini, Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin, Richard Wagner, Giuseppe Verdi;
third row:Johann Strauss II, Johannes Brahms, Georges Bizet, Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Antonín Dvořák;
bottom row: Edvard Grieg, Edward Elgar, Sergei Rachmaninoff, George Gershwin, Aram Khachaturian

Tamara De Lempicka



Edgar Degas - Violinist and Young Woman, 1872

Gianni Gueggia, 1956 | Expressionist painter

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Italian painter Gianni Gueggia was born in Trenzano, Brescia, Italy in 1956. 
He began exhibiting his works since 1973. He has participated in numerous national and international awards and received many favors from the critics. Numerous solo and group exhibitions in which he exhibited his works, including at the Cultural Club "Don E. Verzeletti". Lives and works in Castrezzato - Brescia, Italy.
Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter


Gianni Gueggia è nato a Trenzano (BS) nel 1956.
Gueggia ha iniziato ad esporre le sue opere a partire dal 1973. Ha partecipato a numerosi concorsi nazionali e internazionali ricevendo premi e moltissimi favori da parte della critica. Numerose le mostre collettive e personali in cui ha esposto le proprie opere, tra cui anche presso il Circolo Culturale "Don E. Verzeletti". Vive e lavora a Castrezzato (BS).
I dipinti di Gueggia vivono una flebile armonia poetica, dove la concertazione tonale suggerisce un lirismo pittorico d'antiche radice figurative e di evidente sensibilità. Una pittura di coinvolgente fascino percettivo che, particolarmente nel paesaggio riecheggia atmosfere veneziane di notevole preziosismo cromatico risolto in dissolventi luminescenze.
Una poetica capace di attingere nel classico, recuperando un rinnovamento spirituale e fruitivo nella stilistica, carica di elaborazioni formali e delicate suggestioni coloristiche. E' l'interiorità a prevalere sulla veridicità dell'immagine raggiungendo una articolata musicalità con timbrici accordi di larga e modulata variegazione.

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter

Da anni svolge una intensa attività artistica che lo porta a rivestire un ruolo importante  nella pittura contemporanea.
Ottiene vittorie e riconoscimenti nei più' importanti concorsi nazionali: al Premio Agazzi di Mapello, alla Biennale di Soliera, alla Biennale di Osio di Sotto, al Premio di Martinsicuro, al Premio Bellariva a Rimini, al Premio G.B.Cromer di Agna.
Vince nel 2010 il primo premio assoluto al Premio Nazionale di Pittura di Fighille.
Molte opere fanno parte di collezioni pubbliche e private, in Italia e all'estero. Una sua opera è esposta al piccolomuseo di Fighille.
Fa parte del gruppo nazionale di artisti "En Plein Air" con cui ha esposto in collettiva in varie parti d'Italia fra cui a Bormio e a Fiumefreddo.
Numerose sono le sue mostre personali e collettive.
Da ricordare, oltre alle numerose mostre in Germania nel 2003, l'esposizione di Parigi del 2009 insieme ad altri artisti vincitori del premio di Mapello.
Nel 2011 è fra gli artisti selezionati per la Via Crucis Fighille-Santuario di Petriolo. Realizza la I stazione inerente la “La condanna a morte di Cristo” oggi conservata presso la Chiesa di San Michele Arcangelo in Fighille.

Gianni Gueggia 1956 | Italian Expressionist painter
















William Blake | Symbolist painter

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Tigre! Tigre! divampante fulgore
Nelle foreste della notte,
Quale fu l'immortale mano o l'occhio
Ch'ebbe la forza di formare

La tua agghiacciante simmetria?
Amor non cerca di compiacer se stesso
Né per se stesso ha cura
Ma per un altro ogni favor rassegna
E il Cielo erige in un oscuro inferno.
William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter
William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter
William Blake [1757-1827] è stato un poeta, incisore e pittore Inglese, appartenete alla epoca del Romanticismo. Il visionario Blake ha svolto un ruolo cruciale per lo sviluppo del moderno concetto di immaginazione nella cultura occidentale. Largamente sottovalutata mentre egli era in vita, oggi l'opera di Blake è considerata estremamente significativa e fonte di ispirazione sia nell'ambito della poesia sia delle arti visive.
William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painterSecondo Northrop Frye, che si dedicò allo studio dell'intero corpus poetico di Blake, i suoi versi simili a profezie costituiscono "Quello che, in rapporto ai reali meriti, è il corpus poetico in lingua inglese meno letto". Altri hanno invece lodato l'arte pittorica di Blake e un critico contemporaneo lo ha proclamato "Di gran lunga il più grande artista che la Gran Bretagna abbia mai prodotto".
Considerato un tempo pazzo per le sue idee stravaganti, attualmente è invece molto apprezzato per la sua espressività, la sua creatività e per la visione filosofica che sta alla base del suo lavoro. Anche se la sua pittura e la sua poesia sono state solitamente valutate separatamente, Blake spesso se ne servì di concerto per creare opere che di colpo sfidassero e sostituissero le convenzioni in uso. Si definiva capace di discutere e confrontarsi con i profeti dell'Antico.
Testamento e profuse un grande sforzo per creare le illustrazioni per il Libro di Giobbe, ma l'amore dell'artista per la Bibbia si affiancava ad un'aperta ostilità verso la Chiesa d'Inghilterra, e le sue convinzioni religiose erano influenzate dall'attrazione per il Misticismo e dalla fascinazione verso il movimento Romantico che a quel tempo era in pieno sviluppo.

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter


William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

William Blake 1757-1827 | British Romantic era Poet and painter

Anne Bachelier, 1949 | Surrealist /Visionary painter

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French painter and illustrator Anne Bachelier, was born in Louvigne du Desert, France.
Metamorphosis, transition, and evolution provide the common threads of the art of Anne Bachelier. The artist captivates her audience with compelling, highly imaginative images that are distinct, unique, inventive and immediately recognizable.
Her metaphysical, dream-like fantasies evoke feelings simultaneously powerful, peaceful, and protective. This unique "other" world, untouched by time or place, reminds the viewer of the eternal dance of transformation and regeneration.

















Anne Bachelierè nata nel 1949 in Louvigne du Desert, Francia. Ha studiato presso la Ecole des Beaux Arts, La Seyne-sur-Mer tra il 1966-1970. L'artista cattura il suo pubblico con avvincenti immagini estremamente fantasiose che sono uniche per inventiva e immediatamente riconoscibili. Le sue metafisiche fantasie oniriche evocano sentimenti potenti ma anche pacifici e protettivi.
Questo unico mondo "altro", incontaminato dal tempo o luogo, ricorda allo spettatore la danza eterna di trasformazione e rigenerazione.
I suoi quadri sono visioni di cui, come ebbe a dichiarare l’Artista, lei non fa che un reportage credendo sinceramente di essere solo il tramite e non la genesi della sua opera. 
I suoi personaggi incarnano archetipi sempiterni, vivi in ognuno di noi, impegnati in questioni di grande importanza e su grande scala. Le visioni di Anne Bachelier catturano il macabro con grandiosità, la potenza e la bellezza avvincente.
Sebbene i suoi lavori siano stati rispettosamente paragonati a quelli di Goya, Moreau, Magritte e Fini, bisogna riconoscere che Anne ha innegabilmente prodotto un cosmo artistico incantato e completamente suo. 
Creature tra il mitologico ed il fantastico si alternano a streghe e fate in un’eterna danza di trasmutazione e rigenerazione che ci incanta con metamorfosi e transizioni che danno perpetuo movimento alle immagini. Per più di 25 anni ha imprigionato sogni sulle sue tele, al punto di essersi meritata dal magazine internazionale Gallery and Studio il soprannome di "incantevole Shahrazād dell’Arte".



Anne Bachelier, 1949 | Surrealist /Visionary painter | VideoArt

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Anne Bachelier is an French contemporary painter, printmaker, ballet designer and illustrator, known for working in the Surrealist style. For more than 35 years, Bachelier has captured dreams on canvas. She has been dubbed ‘art’s enchanting Scheherazade’ (Gallery and Studio), a reputation established through international exhibitions of an ever-growing gallery of sorceresses, chimeras and other mythical creatures.
For biographical notes -in english and italian- and other works by Bachelier see Anne Bachelier, 1949 | Surrealist /Visionary painter.











Francois Lassere, 1960 | Oppositionist Art Movement

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Born in Puy de Dôme, France, in 1960, François Lassere is a self-taught painter who practices several techniques. He was interested in hyperrealism for many years, then moved on to working in raw material, when a painter in Paris suggested to him to expand to new techniques.
Lassere then embarked on a new trend, which he calls “Oppositionism”. From this point on his work will mostly consist of highlighting heterogeneous styles to extract harmony from them. He was awarded a gold medal at the Rome academy in 1998, and has been referenced in the international valuation guides since 2000.




























In December 2004 he was invited to exhibit one of his works in one of the most famous prestigious Art Fair in the Louvre Carrousel by the National des Beaux-Arts Lassere was also a guest star at the World Centre for Peace in Verdun in September 2007. 
He is featured as the creator of the Oppositionism in the World Book of Records next to Picasso.
Moreover he is portrayed as the inventor of the Oppositionist movement in the 2007-2008 Book of Inventions. Today his work is present in many private collections in the world, in the USA, Japan, Germany, Belgium, and Switzerland.
Today his works can be seen in prestigious galleries in Toulouse, Agen, Roussillon- en- Provence, Moissac, Clermont-Ferrand, Versailles, Brive, Arcachon, Etoile in Luxemburg and currently in Florida and Japan. Some of his paintings can be seen in the Marciano Gallery Place des Vosges in Paris. The Univers des Arts magazine devoted its December-January 2008 issue to his work.



































Jacques Le Nantec, 1940 | Bronze Figurative sculptor

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For more than fifty years, Jacques Le Nantec has been working in an academic and classical tradition to become one of the today masters of the figurative sculpture. His great ambition is to try to build a bridge between the XIXth and the XXIst century art that he hopes "will be aesthetic, sensual and dreamlike".
He proves it through perpetual new creations. The contemporary art galleries and his growing international public follow with passion the new realizations of this great master.




































Jacques Le Nantec, vero nome Jacques Métayer - è uno scultore Francese nato a Nantes nel 1940. Alla età di tredici anni, ripristinò una statuetta rotta e scoprì la passione per la scultura.
Nell’ottobre del 1957, ad Annecy espose le sue prime quindici opere, tra cui due a grandezza naturale.
Per vivere e finanziare le sue sculture, si è adattato ad esser decoratore, designer e disegnatore di fumetti per la rivista Spirou, e modellatore di statue di cera. Autodidatta, ha persistito e affiancato il suo lavoro e la sua passione per la scultura allo studio dell’anatomia.
Ha eseguito numerosi busti, per clienti privati, che gli hanno permesso una certa tranquillità con l’aiuto e l’appoggio del suocero, Jean-Roger Kauffmann, che fu suo protettore nei primi anni.
Le sue sculture, quasi tutte in bronzo, sono armoniche rappresentazioni di emozioni vive, in un dinamismo che le rende affascinanti e ricche di attrattiva.




Andrey Belle / Андрей Белле, 1957 | Abstract Mixed media painter

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Aндрей Белле was born in 1957 in Minsk, Bielorussia. Belle produces figurative paintings mainly of women and still lives.
His work are filled with emotion, beauty, sensuality and refinement. Concerned with the links and contradictions between the past -nostalgic and fragile- and the present -fresh and vibrant-, he opposes them whilst at the same time creating a perfect harmony.























































Andrey Belle / Андрей Белле è nato nella città di Minsk, Bielorussia. Nel 1993 si è laureato dal VI Mukhina Arts and Design College Accademia.
Nel 1990 si unisce al gruppo artistico "Mitki". Nel 2003 ottiene il grado di "master" in termini del progetto "Master-class" di San Pietroburgo, organizzato da MB Piotrovskiy.
Belle produce quadri figurativi, pieni di emozione, bellezza, sensualità e raffinatezza.
Non solo è un valido pittore, ma anche decoratore, la sua maestria è simile a intricato lavoro di un gioielliere virtuosistico.
Utilizza tecniche miste e tecniche di collage. Il genere preferiti dell'autore è still-life.
Le sue opere hanno varcato i confini locali dello spazio culturale russa molto tempo fa, lavora attivamente in Russia e all'estero.
Le opere dell'artista sono presenti in molti musei e collezioni private, tra cui Museo di Stato di San Pietroburgo storia, Mosca Museo di arte contemporanea, Central Exhibition Hall "Manege" (San Pietroburgo).











Matt Abraxas, 1974 | Figurative Impressionist / Realist painter

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Matt Abraxas is an internationally recognized fine artist whose work is collected throughout the U.S., Europe and the Middle East.
Studied "Restructured Realism" under Ted Seth Jacobs in France, and the Abstraction Method under Jeffrey Watts in California.
Currently showing at SmithKlein Gallery in Boulder, CO.






















































D. Eleinne Basa, 1967 | Plein Air / Tonalist painter

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D. Eleinne Basa is an Award Winning American Landscape painter represented by several Galleries across the United States.
A Classically trained artist, Basa began painting at the young age of 8. Her early training still influences her as it is when she is painting "en plein air" that she is brought back to a time in her childhood when "painting was pure and comes from someplace deep within".
Basa’s landscapes allure the viewer to move into the work with their radiant light and luminescent qualities reminiscent of the early Luminists and Tonalists of the American School. She is inspired by painters like Thomas Moran, George Inness and is continually striving to achieve a certain timelessness to her work.






A professional and full time artist since 2004, Basa participates in several national shows and have been invited to participate in prestigious events such as the Maynard dixon Country show in 2009, and the Gold Medal Shows of the California Art Club.
She has won numerous awards including the Art of the West award of Excellence at the California Art Club Gold Medal Show in 2012 and was the $15,000 Grand Prize Winner of the 1st Plein Air Magazine Online Salon also in 2012.
She has also shown her works at the National Arts Club and the Salmagundi Club in New York, the Gilcrease Museum in Tulsa, OK, and in the Autry National Center and the USC Fischer Museum in California.
Her work is also in the Permanent collection of the Academy Art Museum in Easton, MD.
































Vermeer | Lady with Her Maidservant Holding a Letter / La Fantesca che porge una lettera, 1667

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Lady with Her Maidservant Holding a Letter is a painting produced by Jan Vermeer (Delft, 1632-1675), now in the Frick Collection in New York City.
The work of Johannes Vermeer (also known as Jan), is well known for many characteristics that are present in this painting. The use of yellow and blue, female models, and domestic scenes are all signatures of Vermeer. This oil on canvas portrays two women, a Mistress and her Maid, as they look over the Mistress' love letter.

Johannes Vermeer van Delft | Self Portrait, 1654



Mistress and Maid was painted over the years 1666-1670 on a canvas. The painting shows an elegant mistress and her maid as they look over a love letter that the mistress just received. There are prominent Vermeer styles presented in this painting. There is a strong use of yellow in the woman's elegant fur-lined overcoat, and blue in the silk tablecloth and the maid's apron. The focus of the painting is the two women as they are sitting at a desk, doing an everyday activity. Vermeer was known for his domestic scenes containing women.
The light in the painting comes from the left, and falls on the mistress' face, as is apparent from the shadow of the table on her legs. This painting can seem very straightforward at first glance, but it has deeper psychological implications. If one looks at the image straightforwardly, one sees the mistress as she looks at the sealed love letter, hinting that she has a relationship with someone who is perhaps a great distance away.
There is a hinted relationship between the maid and the mistress with their furtive glances and their body language, as they lean towards each other.
The mistress has a pensive gaze, with her lips parted ever so slightly and her fingertips lifted to her chin in a questioning manner. The mistress' profile is slightly blurred and undefined and is meant to portray an idea that the woman is soft and sweet. This is likened to another one of Vermeer's paintings, Girl with a Pearl Earring. The painting is preserved well and it has stylistic features such as the large scale of the figures, the dark background, and the dramatic modeling within the scene.
In Mistress and Maid, Vermeer played with his medium and created texture and light with his works. For example, the lighted parts of the yellow overcoat are formed with sweeping brushstrokes of lead-tin-yellow and the shadows are created with definition.
Dark backgrounds were used in portraiture after Leonardo da Vinci created the trend. They were used because they gave focus to the person in the portrait and enhanced the three-dimensional effect. Vermeer uses dark backgrounds in his other portraits such as Portrait of a Young Woman and Girl with a Pearl Earring.
There is a prominent usage of pearls on the mistress in this painting. Pearls were an important status symbol of the period and that was reflected in the mistress' fancy attire and her abundance of pearls.
A prevalent theme in Vermeer's paintings from around the late 1660s is letter writings. In earlier works, there is one woman isolated with a letter, but in this painting the added maid is a new element. This gives the painting a sense of anxiousness between the two women over the letter and its potential contents. | © Wikipedia





La Fantesca che porge una letteraè un dipinto ad olio su tela (90,2x78,7 cm) di Jan Vermeer, databile al 1667 circa e conservato nella Frick Collection di New York.
  • Storia
Assieme a molte opere del pittore, anche questo dipinto è in tutta probabilità citato nell'inventario dell'asta tenutasi ad Amsterdam il 16 maggio 1696, al numero 7, come: «una giovane dama alla quale una cameriera consegna una lettera. Del suddetto. Prezzo: fiorini 70.0». Questa descrizione potrebbe riferirsi anche alla Lettera d'amore del Rijksmuseum di Amsterdam, sebbene in quella tela la missiva è già consegnata.
Passò per varie collezioni europee, finché nel 1919, entrò in quella Frick. Fu una delle ultime acquisizioni fatte personalmente dal fondatore della collezione poco prima della morte, e rientrava nel gruppo delle sue preferite.
  • Descrizione
Una cameriera si avvicina alla padrona per porgerle una lettera e questa, seduta a un tavolino, interrompe la scrittura e ha un gesto di sorpresa, posando la penna, guardando la domestica e portando una mano al mento.
Come in molti dipinti di Vermeer, il soggetto è ricorrente e in un ambiente chiuso: ragazze o dame che suonano musica, scrivono o leggono lettere, compiono piccole azioni banali e quotidiane come versare dell'acqua da una brocca. In questo caso, il semplice fatto di ricevere della posta viene fermato in un momento di di complicità: la domestica sembra conscia dell'importanza della lettera e la accompagna con qualche parola che sembra interessare molto alla signora.
La figura della donna è ispirata forse a quella della moglie di Vermeer, presente anche in altri dipinti: porta un elaborato chignon a treccia, riccioli cadenti sulle tempie, perle agli orecchi e al collo e una casacca di raso giallo bordata di ermellino che davvero appartenne alla signora Vermeer, come dimostra un inventario pervenutoci. La luce fredda che le illumina il volto è analoga a quella della Ragazza con velo.
Sul tavolo, coperto da un drappo azzurro, stanno gli strumenti per scrivere e il cofanetto che deve contenerli: foglio, penna e, su un vassoio, boccetta di inchiostro e calamaio, questi ultimi accesi da riflessi luminosi che ne rivelano la lucidità del materiale, forse peltro e vetro.
Lo sfondo praticamente uniforme e buio e la mancanza delle rifiniture e dei particolari tanto cari a questo artista nel corpo e sulla testa della dama ci fanno capire che questo lavoro, eseguito a pochi anni dalla morte, è stato lasciato incompiuto dallo stesso pittore. Nonostante l'incompiutezza dell'opera, pienamente sviluppati sono i sottili giochi ed effetti di luce: luccichii dai gioielli di perle, scintillio sugli oggetti, increspature vivide dei tessuti.




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Pasquale Celommi (1851-1928) was an Italian painter, known for his outdoor scenes of Italian life. Celommi was born in Montepagano, Italy in 1851.
For biographical notes -in english and italian- and other works by Celommi see:
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